Gilbert & George no fueron pioneros en ninguna de sus manifestaciones, pero sus esculturas vivas, su posterior obra gráfica y su imagen personal, los han convertido en una referencia del arte contemporáneo europeo.
Gilbert y George, biografía
Gilbert Prousch y George Passmore, conocidos artísticamente como Gilbert & George, son una de las parejas más emblemáticas y duraderas en la historia del arte contemporáneo. Estos dos artistas se conocieron y comenzaron a trabajar juntos en Londres a finales de la década de 1960, desarrollando su estilo único y provocador.
Primeros años
Gilbert Prousch nació el 11 de septiembre de 1943 en San Martín de Tor, una pequeña comunidad en los Alpes italianos, en el Tirol del Sur. Creció en una familia rural de habla ladina, un idioma retorrománico que refleja la riqueza cultural de su región natal. En su juventud, Gilbert mostró interés en el arte y comenzó su formación artística en Austria y Alemania, antes de mudarse a Londres en busca de una educación artística más completa.
George Passmore nació el 8 de enero de 1942 en Plymouth, Inglaterra. A diferencia de Gilbert, creció en una ciudad costera británica. También mostró interés en el arte desde joven, y sus estudios comenzaron en el Dartington Hall College of Arts en Devon. Más adelante, George se trasladó a Londres para continuar su formación artística.
Encuentro en la Saint Martin’s School of Art
El destino de Gilbert y George se cruzó en Londres en la Saint Martin’s School of Art, una de las instituciones más prestigiosas de la época para la formación de artistas contemporáneos. Ambos estudiaban escultura y compartían intereses similares en cuanto a la experimentación artística y la exploración de los límites del arte. Fue en este ambiente de creatividad y búsqueda de nuevas expresiones artísticas donde la pareja comenzó a colaborar. Su conexión fue instantánea, tanto en lo personal como en lo artístico.
Durante sus primeros años como estudiantes y artistas, vivieron inmersos en una época en la que el arte británico estaba experimentando un cambio radical. La influencia de movimientos como el Pop Art y la cultura underground en el Londres de los años 60 impulsó a numerosos artistas a explorar nuevas formas de expresión, un entorno que les ayudó a consolidarse como dúo artístico.
La vida en Londres
Tras terminar sus estudios en Saint Martin’s, Gilbert y George se establecieron en Londres, una ciudad que se convirtió en su hogar y en la base de su carrera artística.
A diferencia de muchos artistas, ellos han mantenido su residencia en la capital inglesa. Su casa y estudio se encuentran en Spitalfields, un barrio del norte de la ciudad que ha influido notablemente en su vida y en su identidad. Londres no solo es el escenario de su vida cotidiana, sino también el reflejo de su obra.
La vida de Gilbert & George ha sido peculiar y extremadamente disciplinada. Ambos han mantenido una rutina diaria rigurosa y estructurada, vistiendo siempre con traje y corbata y recorriendo las calles del este de la ciudad de forma constante. Su estilo de vida, tan meticulosamente planeado, refleja su compromiso con la idea de ser dos esculturas vivientes, una identidad que va más allá de lo puramente artístico y que involucra toda su existencia.
Una relación personal y profesional única
Gilbert & George han mantenido constante su relación profesional y personal. Han trabajado juntos durante más de cinco décadas, su unión personal ha sido clave para el éxito y la estabilidad de su carrera artística. Su relación de pareja ha sido fundamental para el desarrollo de su identidad común, y para mantener un estilo de vida y de trabajo absolutamente particular durante más de cincuenta años.
Influencia de su identidad cultural
A pesar de sus diferentes orígenes, ambos han logrado crear una identidad conjunta que trasciende sus diferencias. Cada uno aporta perspectivas distintas que se fusionan en una única voz, esta combinación de influencias ha dado forma a su identidad como dúo.
En varias ocasiones han mencionado cómo sus diferentes orígenes y vivencias aportan matices únicos a su relación y al modo en el que se perciben a sí mismos como artistas. Su vida en Londres, su inquebrantable relación de pareja y su compromiso con su estilo de vida único han sido los factores determinantes de su éxito.
Los happenings de Gilbert & George
Las performances de Gilbert & George son una parte esencial de su exploración artística y su identidad. Estas obras han acabado perpetuándose en lo que ellos consideran una performance constante. Su obra está más cercana a Baudelaire que a Marina Abramović, no se trata de incorporar la vida al arte, sino de hacer de la vida una expresión artística.
A continuación, vamos a analizar cuatro de sus obras cercanas a los años 70 del siglo pasado, una época que nos permite conocer en profundidad la expresión esencial de Gilbert & George.
The meal (1969)
En 1969, Gilbert & George llevaron a cabo una de sus primeras y más emblemáticas performances, “The meal”. Este evento fue una cena formal e inusual, en la que trece invitados, incluido el célebre artista David Hockney como invitado de honor, participaron en una elaborada experiencia culinaria. La cena contó con la presencia del mayordomo de la princesa Margarita y un chef especializado que preparó los platos siguiendo recetas de un manual de cocina victoriana.
La escena, cuidadosamente planeada por el dúo, reflejaba su interés en los rituales y las formalidades de la sociedad británica, mostrando cómo incluso los actos cotidianos pueden convertirse en una performance cargada de significado. Esta cena fue una exploración de las convenciones sociales, el rol de las costumbres y la transformación de lo ordinario en una experiencia artística provocativa.
En 2018 se publicó “The meal”, una conversación entre ambos artistas y Charlotte Birnbaum, donde repasan algunas de sus obras.
The singing sculpture (1970)
Una de las performances más icónicas y significativas de Gilbert & George fue “The singing sculpture”, realizada por primera vez en 1970. En esta obra, ambos se pintaron la cara y las manos de un color metálico y se colocaron sobre una mesa, reproduciendo en bucle la canción «Underneath the arches», de Flanagan y Allen. Mientras la música sonaba, ellos cantaban y se movían de manera mecánica, sincronizando sus movimientos con la melodía. Esta performance podía durar varias horas y los artistas la repetían durante días, convirtiéndose por primera vez en esculturas vivientes.
El concepto detrás de “The singing sculpture” giraba en torno a la idea de que el artista es también una obra de arte. Gilbert & George pretendían borrar las líneas entre el creador y la creación, transmitiendo la idea de que el cuerpo y la vida misma son elementos artísticos. Con esta performance se apartaron de las convenciones de la escultura tradicional, presentándose como esculturas humanas que cantaban y se movían, explorando temas relacionados con la alienación, la mecanización y la cotidianidad.
Gordon’s makes us drunk (1972)
En 1972 Gilbert & George presentaron este happening, una obra en la que los artistas se filmaron bebiendo Gordon’s Gin, mientras repetían frases y movimientos con una sincronización precisa y mecánica. Esta performance, además de realizarse en directo, fue grabada en vídeo, extendiendo la experiencia al público en diferentes formatos. A lo largo de la obra, ambos artistas permanecían en una especie de trance etílico, repitiendo la frase «Gordon’s makes us very drunk» con expresión seria y sin perder el ritmo.
La obra fue una reflexión irónica sobre el consumo de alcohol y sus efectos, y al mismo tiempo jugaba con la idea del control y la pérdida de inhibiciones. Al incorporar el alcohol como elemento central, la obra desafiaba las convenciones y tabúes sociales y subrayaba su compromiso con el uso del propio cuerpo como medio artístico.
La repetición y la rutina que realizaban de manera casi ritualizada, evidenciaban los comportamientos humanos como actos vacíos y alienantes.
The red sculpture (1975)
“The red sculpture» fue una performance centrada en la idea de la escultura viviente en una atmósfera cargada de simbolismo. En esta performance, ambos artistas permanecían de pie o se paseaban por Londres vestidos con sus trajes habituales, con las zonas visibles del cuerpo pintadas de rojo. La elección del color rojo evocaba asociaciones con la energía, la pasión y, en ciertos contextos, la violencia o el peligro.
Esta fue una de sus obras más enigmáticas, en la que el color y la pose de ambos artistas suscitaban una serie de interpretaciones, muchas de ellas espontáneas, debido a que además de ocupar espacios en galerías, los artistas también pasearon por las calles londinenses.
El concepto de escultura humana
- “To make art you don’t need objects, you just make yourself the object, and then, you are more complex than another sculpture could be”.
- “Para hacer arte no necesitas objetos, haz de ti un objeto y entonces, eres más complejo de lo que cualquier otra escultura podría ser”.
La anterior frase, pronunciada por George Passmore, define exactamente la fase creativa que acabamos de resumir.
El concepto de escultura viviente o escultura humana es central en la obra de Gilbert & George. Para ellos, el arte no debe estar separado de la vida, los artistas mismos se convierten en su propia obra. Este concepto surgió de sus primeras performances, la idea se basa en cuestionar la definición tradicional de escultura, rompiendo con la visión de una obra como algo inanimado y, en definitiva, ajeno al propio artista, a pesar de ser un producto de su intelecto.
Esta idea enfatiza el concepto de arte como presencia rutinaria en el cuerpo y en los gestos humanos, eliminando la separación entre creador y creación.
La obra gráfica de Gilbert & George
La parte performativa es la más interesante en la obra de Gilbert & George, sin embargo, ambos artistas han desarrollado una obra gráfica excepcional, con un carácter tan propio como sus happenings.
Técnica y proceso creativo
Gilbert & George comenzaron a experimentar con la expresión gráfica a través de técnicas de fotomontaje en grandes paneles. Sus obras no son pinturas en el sentido tradicional, sin embargo, exploran composición, color y narrativa visual.
Su proceso comienza fotografiándose a sí mismos, o escenas urbanas y objetos cotidianos. Luego, combinan y manipulan estas imágenes en composiciones complejas y extremadamente organizadas, usando frecuentemente tonos saturados con colores como el rojo, el negro, el verde y el amarillo, que intensifican el impacto visual.
Los paneles se suelen dividir verticalmente en dos imágenes simétricas, cuya similitud se rompe al aparecer ambos artistas a cada lado del panel. Para la propia obra, la simetría es total al ser ambos artistas equivalentes.
Significados
Las obras de Gilbert & George reflejan temas como la alienación, la vida urbana, la sexualidad, la religión y la política. A menudo exploran las contradicciones de la vida moderna, integrando temas polémicos de forma directa y provocativa. Las piezas muestran una mezcla de lo sagrado y lo profano, lo vulgar y lo sublime, cuestionando las normas sociales y religiosas.
Su interés en estos temas los lleva a utilizar sus propias imágenes, poniendo en evidencia su identidad y vivencias personales como parte integral de la obra.
Otra lectura se basa en el refuerzo de los valores tradicionales a partir de imágenes provocadoras. Gilbert & George integran símbolos conservadores que reivindican, criticando el abandono presente de los valores británicos, cristianos u occidentales.
Uso del color
El color juega un papel crucial en sus pinturas. Gilbert & George utilizan el simbolismo para añadir múltiples capas de significado a cada obra, permitiendo al espectador interpretar las piezas desde diversas perspectivas. El proceso de inclusión fue progresivo, en 1974 comienzan a utilizar el color rojo en sus fotografías, la serie “Cherry blossom” es la primera intervención en la que colorean sus imágenes. A principios de los ochenta, incorporan otros colores.
La obra gráfica de Gilbert & George tiene una paleta amplia de tonos básicos, dando lugar a obras expresionistas donde la sensación del color es significativa.
La vida como arte
La obra gráfica de Gilbert & George es una extensión de su concepto de escultura viviente, ellos mismos son protagonistas en muchas de sus obras, mezclando sus imágenes con símbolos de la vida cotidiana y eliminando las barreras entre arte y vida, artista y obra.
Waking (1984)
Esta obra de la colección Guggenheim en Bilbao es una excelente muestra de la expresión gráfica de Gilbert & George. Se trata de un panel de mediados de los 80 del siglo XX, en esta época los artistas británicos comienzan a colorear su obra fotográfica, dando origen al tipo de imagen por el que son más conocidos en la actualidad.
Con el paso del tiempo, las únicas figuras humanas en sus collages son los propios artistas, sin embargo, en la época en la que se compuso esta obra era normal que Gilbert & George contasen con la presencia de jóvenes del East End de Londres, que quedaban retratados en sus obras. “Waking” es una composición en la que Gilbert & George son protagonistas, pero se rodean de hombres jóvenes policromados.
Las tres escalas en las que aparecen los artistas parecen representar el despertar progresivo en tres etapas, las dos primeras inconscientes, a juzgar por las caras de los artistas, la última expresa el horror de volver a la realidad.
Las máscaras superiores son la reminiscencia del ensueño, mientras los jóvenes que les acompañan en la mitad inferior parecen ser la representación de la realidad.
Homosexualidad y sociedad
Es fundamental recordar que la expresión del ambiente homosexual en Londres es una parte improtante en la obra de estos dos artistas, especialmente durante los 80 del siglo XX. En el lenguaje particular en el que se expresa su obra, George & Gilbert nos hablan de la importancia de visibilizar la homosexualidad como parte de la realidad, de la rutina, en todos los ámbitos.
La obra gráfica de estos dos artistas británicos ayudó a visibilizar la presencia de hombres abiertamente homosexuales en galerías y museos, estigmatizados en los 80 del siglo pasado por el SIDA y otros prejuicios homófobos.
Premio Turner 1986
En 1986, Gilbert & George fueron galardonados con el Premio Turner, uno de los reconocimientos más importantes en el panorama contemporáneo británico. Este premio llegó en un momento crucial de sus carreras, consolidándoles como referencia clave en el panorama europeo.
El jurado del Premio Turner destacó su habilidad para transformar la experiencia personal en una declaración artística universal, cuestionando las normas sociales y culturales entonces actuales.
Gilbert & George Centre
El Gilbert & George Centre, ubicado en Spitalfields, el barrio donde residen, es un espacio dedicado a mostrar el trabajo de los icónicos artistas británicos.
Inaugurado en 2023, el centro está concebido para proporcionar una experiencia inmersiva a los visitantes. Cada exposición presenta una selección amplia de las obras de Gilbert & George, incluyendo algunas de sus piezas más conocidas y nuevas creaciones. Los visitantes tienen la oportunidad de explorar de cerca el trabajo de estos artistas.
Además de las exposiciones, el Gilbert & George Centre organiza actividades comunitarias, charlas y eventos educativos para todos los públicos. La galería se ha convertido en un punto de encuentro para los amantes del arte contemporáneo en Londres y para la comunidad cercana a Spitalfields.
Acercarse a la obra de Gilbert & George
Vea la obra de Gilbert & George, tanto sus happenings (disponibles en plataformas de vídeo) como sus murales, centrándose en sus propias percepciones. Si desea hacerlo ante una obra monumental, el Museo Guggenheim de Bilbao ofrece a los visitantes “Wake”, una obra que contiene la esencia camp propia de las composiciones de Gilbert & George.
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