La National Gallery expone obras desde el Prerrenacimiento hasta las Vanguardias europeas. Su colección de pintura flamenca es comparable a las de los mejores museos europeos, las siguientes son 10 obras de pintores flamencos del Barroco expuestas en la National Gallery y 20 pinturas imprescindibles del museo londinense.
10 pintores del Barroco flamenco imprescindibles en la National Gallery
“Retrato de un hombre en sus 30” de Frans Hals
Se trata de una obra emblemática de Frans Hals, uno de los grandes retratistas del Siglo de Oro neerlandés. Este retrato captura la vitalidad y la personalidad del sujeto, quien, vestido de manera elegante, transmite confianza y sofisticación. Hals destaca por su habilidad para captar la expresión viva y espontánea del rostro, con un leve gesto de sonrisa que humaniza al personaje. El fondo oscuro dirige toda la atención hacia el modelo, mientras las pinceladas rápidas y sueltas aportan dinamismo y frescura al retrato, una técnica revolucionaria para su tiempo.
Frans Hals es reconocido por su capacidad para infundir vida y carácter en sus personajes. A diferencia de los retratos formales de sus contemporáneos, sus obras muestran a los protagonistas con expresiones naturales y una energía única. Sus pinceladas, a menudo visibles y cargadas de movimiento, le otorgan a sus pinturas una sensación muy moderna.
El retrato en Hals no busca idealizar, sino capturar al individuo en un momento específico, mostrando tanto su apariencia como su personalidad. Este enfoque directo y humano le distingue del resto de la pintura retratista barroca.
“Flores en un vaso” de Rachel Ruysch
Este bodegón es una obra maestra de la naturaleza muerta, que refleja el virtuosismo técnico y la sensibilidad artística de la pintora neerlandesa. Ruysch representa un exuberante ramo de flores dispuesto en un jarrón de vidrio, utilizando una composición llena de dinamismo y equilibrio. Las flores, cuidadosamente detalladas, incluyen especies de diferentes estaciones, lo que enfatiza su carácter simbólico más allá del significado realista. Se trata de una excelente muestra de la habilidad de Ruysch para captar la textura, la luz y los colores más intensos de la naturaleza.
El fondo oscuro, típico del estilo barroco, realza la luminosidad de las flores creando un contraste dramático que aporta profundidad a la composición. Pequeños detalles, como insectos posados en las flores (saltamontes, hormigas y orugas) u hojas ligeramente marchitas, sugieren la fugacidad de la belleza y la inevitabilidad del paso del tiempo, temas recurrentes en las naturalezas muertas del Barroco neerlandés.
Rachel Ruysch fue una de las pintoras más destacadas de su tiempo y una de las primeras mujeres en alcanzar fama internacional en este género. Su obra combina un riguroso conocimiento botánico con una sensibilidad estética única.
“Refrescando la sed” de Michael Sweerts
El pintor bruselense pinta en el año 1646 esta obra que forma parte de “Siete trabajos de piedad”. En “Refrescando la sed” vemos a un grupo de personas que ha acudido a beber agua a una colina de la ciudad de Roma, desde la que se ve la fachada de la iglesia de la Trinidad del Monte (Trinità dei Monti).
Ofrecer agua al sediento es una obra de caridad asociada a diversas referencias cristianas, por ejemplo en Mateo 25:35 (“Porque tuve hambre y me disteis de comer, tuve sed y me disteis de beber, fui forastero y me hospedasteis”) o en Juan 4:14 (“pero el que beba del agua que yo le daré nunca más tendrá sed: el agua que yo le daré se convertirá dentro de él en un surtidor de agua que salta hasta la vida eterna”).
Sweerts fue un pintor flamenco conocido por sus escenas de género, retratos y obras de carácter alegórico. Su estilo combinó la influencia del Barroco italiano y el Realismo flamenco y se caracteriza por la sensibilidad psicológica, el detallismo y la serenidad en la composición. Falleció en la misión jesuita de Goa, en la costa oeste de India.
“La caza del león” de Rubens, boceto
Boceto preparatorio que muestra el dramatismo y la intensidad característica del Barroco flamenco. En este esbozo, Rubens representa una escena de caza llena de movimiento y tensión, en la que un grupo de cazadores a caballo, pertrechados con lanzas, lucha contra leones feroces. La composición es dinámica y basa su movimiento en diagonales marcadas que guían la mirada hacia el centro del conflicto, mientras los gestos exagerados y las expresiones faciales enfatizan el peligro y el esfuerzo físico. El dibujo de Rubens aporta volumen a las figuras y profundidad a la escena, creando una atmósfera vibrante y caótica.
Esta obra no solo refleja la fascinación de Rubens por las cacerías, un tema frecuente en su obra, sino también su interés por la anatomía humana y animal, que estudió con gran detalle.
La pintura de Rubens es exuberante y combina elementos clásicos con escenas propias de su tiempo, utilizando un lenguaje visual grandioso y emocional.
“Ana y Tobit” de Rembrandt
“Ana y Tobit” es una obra profundamente emocional, que muestra el dominio de Rembrandt de la representación de escenas íntimas y espirituales. Inspirada en un relato del Antiguo Testamento, la pintura muestra a los padres de Tobías en un momento de oración y reflexión, con Ana sosteniendo una madeja y Tobit rezando, ambos frente a una ventana. La luz resalta los rostros y manos de los protagonistas, simbolizando la presencia divina y la fe ante las dificultades.
La pintura de Rembrandt se caracteriza por su capacidad para capturar la esencia emocional de los personajes y sus historias. La historia bíblica nos cuenta que Tobit queda ciego y manda a su hijo Tobías a recuperar su bienes, mientras, Ana trabaja para mantener a la familia. Las oraciones de Tobit permiten a la familia superar el trance.
Conste que Rembrandt no es un pintor flamenco, pero por proximidad he decidido incluir una de sus obras en esta nómina.
“Retrato del abad Scaglia” de van Dyck
El “Retrato del abad Scaglia” es una pintura muy particular en el catálogo de obras de Anton van Dyck. El abad Alessandro Cesare Scaglia, un diplomático y clérigo turinés al servicio de la corte de Saboya, posa con una postura elegante y serena de pie, ante un fondo visible. El abad aparece vestido con ropajes clericales, su rostro, sereno y pensativo, sugiere la personalidad de un hombre de elevado intelecto y autoridad.
Van Dyck utiliza su característico uso de la luz para destacar las manos y el rostro del abad, otorgándole una representación casi escultórica. La atmósfera del retrato es muy diferente a la que suele generar van Dyck, con un fondo arquitectónico visible y más iluminado que enmarca la figura del clérigo.
La pintura de Van Dyck se caracteriza por su capacidad para transmitir no solo la apariencia física, sino también el carácter psicológico de sus modelos. Como pintor de la aristocracia flamenca, su estilo elegante y sus composiciones equilibradas le convirtieron en uno de los retratistas de referencia en la Europa de su tiempo. “Retrato del abad Scaglia” es un claro ejemplo de su habilidad para combinar la representación de la autoridad y la introspección personal.
“La Virgen y el niño Jesús con San Juan y sus padres” de Jordaens
En esta composición, Jordaens presenta una escena íntima y familiar, basada en una serie de personajes religiosos con aire naturalista. La Virgen María sostiene al Niño Jesús, mientras San Juan Bautista niño aparece acompañado de sus padres, Santa Isabel y Zacarías. La interacción entre los personajes, marcada por expresiones cálidas y gestos tiernos, transmite una sensación de cercanía y humanidad. También es importante la presencia del pájaro que se acerca a Jesús y que origina las expresiones de los personajes.
El uso de la luz en la obra, con una iluminación suave que resalta las figuras principales, es típico de Jordaens, al igual que los colores cálidos e intensos que aportan riqueza y vitalidad a la escena.
Aunque contemporáneo de Rubens y Van Dyck, Jordaens desarrolló un estilo propio que celebra la humanidad y el gozo de la vida cotidiana, como se percibe en esta obra.
“Verano” de Teniers
David Teniers el joven crea una imagen propia del verano tanto por la cosecha, característica de esta época, como por la vestimenta y el entorno general de la pintura. El joven protagonista del cuadro sostiene una gavilla, a su espalda trabajan dos figuras segando el cereal seco.
Varias nubes blancas surcan el cielo que, sin embargo, muestra un azul intenso que permite que los agricultores lleven ropas sueltas y livianas. La juventud, la ligereza y la calidez de esta obra contrasta con “Invierno”, también en la National Gallery, cuya figura principal es un anciano calentándose ante unas brasas, en un ambiente terriblemente gélido.
David Teniers el Joven fue un pintor reconocido por sus escenas de género, paisajes y representaciones de interiores rurales. Su obra se caracteriza por el enfoque detallado ante la vida cotidiana, incluyendo campesinos, tabernas y mercados, con un notable sentido del realismo y la narrativa visual. Teniers también creó escenas alegóricas y colecciones de gabinetes de arte, que exponen su conexión con los círculos cultos de su tiempo.
“Escena de taberna” de Adriaen Brouwer
Brouwer es célebre por las escenas de género que retratan la vida cotidiana desde un punto de vista realista y satírico. Brouwer presenta en esta ocasión a un grupo de campesinos reunidos en una taberna peleando, bebiendo y conversando animadamente. Las expresiones y posturas de los personajes transmiten sensación de naturalidad y espontaneidad, reflejando el talento del artista para capturar momentos auténticos, muy concretos de la vida común.
El uso de la sombra es notable, con un fondo oscuro que resalta las figuras en primer plano. La ventana de la parte superior izquierda ilumina la pelea de la mujer y el hombre, la composición se oscurece al llegar al grupo que observa la escena.
En su obra general, Brouwer retrató las emociones humanas. Aunque murió joven, su estilo influenció a los grandes pintores de interiores del Barroco flamenco. Brouwer transformó las escenas de taberna y vida campesina en un género con profundidad artística y psicológica, elevándolas más allá de la mera anécdota.
“Adoración de los Reyes Magos” de Pieter Brueghel el Viejo
Esta escena clásica en la iconografía cristiana muestra, en la versión de Brueghel el Viejo, una milicia completa acompañando a los tres Reyes de Oriente que acuden a adorar a Jesús. Los reyes se inclinan ante el recién nacido acompañados de un ejército horrendo, que muestra inmóvil el mismo respeto ante la figura central.
Es curioso comparar las similitudes cromáticas que existen entre esta obra y la “Guirnalda con la Adoración de los Reyes Magos” del Museo del Prado, de Pieter Brueghel el Joven (no expuesta habitualmente).
Las obras de Brueghel destacan por su minucioso detalle, sus colores vibrantes y sus espectaculares composiciones. “El triunfo de la muerte” y “La fiesta del vino de San Martín”, ambas en El Prado, ofrecen una visión general de la capacidad del pintor flamenco, origen de una saga de excelentes pintores.
Barroco flamenco*
Barroco flamenco*
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El virtuosismo del Barroco flamenco
La pintura flamenca del Barroco (siglos XVII-XVIII) es uno de los capítulos más destacados en la historia del arte europeo. Caracterizada por su diversidad temática, el virtuosismo técnico y un profundo sentido del dramatismo, esta corriente se desarrolló principalmente en los Países Bajos del Sur (actual Bélgica) bajo la influencia de la Contrarreforma. La pintura flamenca barroca conjuga lo monumental con lo cotidiano, explorando la humanidad de los personajes con una profundidad psicológica sin precedentes.
Contexto histórico y cultural
El Barroco flamenco floreció en los Países Bajos del Sur, una región católica bajo control de la monarquía española. Este contexto político y religioso marcó profundamente la producción artística, especialmente a través de la influencia de una Contrarreforma que impulsaba obras cargadas de dramatismo y emoción para inspirar fe. Las ciudades de Amberes y Bruselas se convirtieron en centros culturales donde artistas como Peter Paul Rubens, Anton van Dyck y Jacob Jordaens trabajaron en estrecha relación con la Iglesia, la nobleza y los mecenas burgueses. La prosperidad económica de la región permitió el auge del coleccionismo no solo de obras religiosas, sino también de retratos, paisajes, naturalezas muertas y escenas de género, ampliando significativamente los temas tratados por los pintores.
Características principales de la pintura flamenca del Barroco
Una de las características más destacadas de la pintura flamenca barroca es el dinamismo de las composiciones. Los artistas flamencos emplearon movimientos audaces, diagonales y gestos teatrales que otorgaban vitalidad a las escenas, combinados con el uso dramático del claroscuro para dirigir la atención del espectador hacia los elementos principales. El color juega un papel esencial en obras que incluyen tonos vibrantes y cálidos que, junto al tratamiento exquisito de las texturas, denotan un virtuosismo técnico impresionante.
Aunque profundamente influenciados por el idealismo del Renacimiento, los pintores flamencos buscaron un realismo más cercano que captara la apariencia física de sus personajes y sus emociones. El simbolismo y la alegoría fueron elementos clave especialmente en naturalezas muertas y escenas domésticas, donde los objetos cotidianos solían tener significados más profundos.
Temas recurrentes
Los temas religiosos y mitológicos son un sello propio de la pintura flamenca barroca. Obras como “Sansón y Dalila” de Rubens (en la National Gallery) combinan teatralidad y sensualidad, mientras que escenas devocionales como “La adoración de los pastores” (también en la National Gallery) capturan la espiritualidad y el fervor religioso.
Los retratos adquirieron gran importancia, especialmente la obra de Anthony van Dyck, quien elevó este género mediante un enfoque elegante y refinado. Las escenas de género, desarrolladas magistralmente por artistas como Adriaen Brouwer y David Teniers el Joven, reflejan la vida común con un enfoque humorístico o melancólico. Los paisajes flamencos, como los de Joos de Momper y Rubens, combinan realismo con un aire poético.
Las naturalezas muertas flamencas, ejemplificadas por Rachel Ruysch y Clara Peeters, destacan por su detallismo y por sus significados profundos, a menudo relacionados con la fugacidad de la vida.
La relevancia de las colaboraciones artísticas
Un aspecto notable del Barroco flamenco fue la colaboración entre artistas especializados en distintos géneros. Jan Brueghel el Viejo, conocido por sus detallados paisajes, trabajó junto a Peter Paul Rubens, quien añadía figuras humanas monumentales a las composiciones. Estas colaboraciones no solo muestran el espíritu colectivo del arte flamenco, también denotan la maestría individual de los artistas.
Otro ejemplo es la interacción entre Hendrick van Balen, especializado en figuras delicadas, y Jan Brueghel el Viejo, cuyos paisajes florales aportaban un contexto narrativo a las escenas religiosas o mitológicas.
La influencia de la pintura flamenca barroca
La pintura flamenca del Barroco marcó un antes y un después en la historia del arte europeo. Su combinación de emoción, simbolismo y virtuosismo técnico influenció a contemporáneos como Velázquez y a generaciones posteriores. La diversidad de géneros y temas tratados, y la búsqueda constante de perfección técnica, consolidaron a los pintores flamencos del Barroco como referentes indiscutibles del arte de su tiempo.
La National Gallery
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Qué ver en la National Gallery, 20 obras imprescindibles
Más allá de la excelente muestra de pintura flamenca barroca, las siguientes son, posiblemente, las obras más populares de la colección permanente de la National Gallery de Londres.
“Baco y Ariadna” de Tiziano
Esta obra maestra del Renacimiento representa el momento en que Baco, el Dios del vino, encuentra a Ariadna tras ser abandonada por Teseo. Tiziano plasma el dramatismo y el movimiento con colores vibrantes y una composición dinámica. Destacan los gestos teatrales de los personajes y los detalles mitológicos, como los símbolos presentes en el carro de Baco.
“Mujer ante el virginal” de Vermeer
Este delicado cuadro de Johannes Vermeer muestra a una mujer tocando un virginal, instrumento musical popular en el XVII. La luz que entra desde la ventana ilumina sutilmente la escena, evidenciando el virtuosismo de Vermeer para la representación de interiores íntimos. El cuadro refleja serenidad y equilibrio, con un manejo magistral de los detalles.
“Las bañistas” de Cézanne
Paul Cézanne presenta una escena de bañistas femeninas en un paisaje natural. Con trazos amplios y colores cálidos, Cézanne no busca un realismo detallado, sino una síntesis entre las figuras humanas y el entorno. Este cuadro muestra la influencia de su estilo, preludio del cubismo.
“El dogo Leonardo Loredan” de Bellini
Giovanni Bellini retrata al dogo de Venecia con un excepcional nivel de detalle para la época. El retrato, que combina simbolismo político y devoción religiosa, utiliza una perspectiva frontal que otorga al dogo una presencia imponente. La textura de los brocados dorados y el realismo del rostro son testimonio del virtuosismo de Bellini.
“Sansón y Dalila” de Rubens
Rubens representa a Sansón dormido en el regazo de Dalila, mientras los filisteos se preparan para capturarle. El uso dramático de la luz y la sombra subraya la traición de Dalila, y crea una atmósfera intensa y teatral, típica del estilo de Rubens.
“Catalina de Alejandría” de Artemisia Gentileschi
Artemisia Gentileschi retrata a Santa Catalina con una fuerza y dignidad inusuales mediante un autorretrato. La rueda rota, símbolo de su martirio, acompaña a la figura. La obra es un claro ejemplo del estilo barroco, con un contraste impactante entre luz y sombra que resalta el dramatismo.
“Autorretrato” de Rembrandt
Este autorretrato pintado en su madurez (1669) muestra al artista con una expresión introspectiva y serena. A través de un uso magistral del claroscuro, Rembrandt captura la textura de la piel y la ropa, mientras transmite la profundidad emocional que caracteriza su obra.
“Los girasoles” de van Gogh
Esta famosa pintura de Vincent van Gogh es parte de una serie dedicada a los girasoles. Con colores cálidos y pinceladas gruesas, la obra transmite energía y vitalidad. Los girasoles, aunque aparentemente simples, permiten a Van Gogh explorar la luz y el color.
“Los embajadores” de Holbein el joven
Esta obra del Renacimiento alemán destaca por sus complejos detalles y por su simbolismo. Los dos embajadores aparecen rodeados de objetos que representan sus logros y su entorno, pero la presencia de una calavera anamórfica en el centro introduce el tema de la mortalidad y la fugacidad de la vida.
“El matrimonio Arnolfini” de van Eyck
En este icónico retrato, Jan van Eyck retrata a un matrimonio con un nivel extraordinario de detalle. La obra es famosa por sus símbolos ocultos, como el espejo que refleja solo parte de la escena y los objetos que aluden al amor y a la fertilidad. Van Eyck utiliza el óleo de forma magistral, logrando una textura y una luz insuperables.
“La batalla de San Romano” de Uccello
Paolo Uccello utiliza la perspectiva para representar esta escena de batalla del Renacimiento temprano. Las líneas convergentes, las armaduras brillantes y los caballos en acción crean una composición dinámica, que muestra su fascinación por la geometría y el espacio.
“El Temerario” de Turner
Joseph Mallord William Turner representa un barco de guerra siendo remolcado hacia su desmantelamiento. La escena al atardecer es melancólica y simbólica, con una combinación de colores que demuestra el dominio de Turner en lo que respecta a la luz y la atmósfera.
“El carro de heno” de Constable
John Constable captura la belleza del campo inglés con este paisaje idílico. El cuadro, centrado en un carro de heno cruzando un arroyo, destaca por su atención al detalle y su representación atmosférica del cielo y la luz. Es una obra fundamental del Romanticismo inglés.
“La cena de Emaús” de Caravaggio
Caravaggio representa el momento en que Cristo es reconocido por los discípulos tras la resurrección. El uso del claroscuro y los detalles realistas, incluyendo los gestos y las expresiones de los personajes, otorgan a la escena una intensidad dramática característica del Barroco.
“La Venus del espejo” de Velázquez
Diego Velázquez retrata a Venus de espaldas, mirando su reflejo en un espejo sostenido por Cupido. La obra combina sensualidad y misterio, con un uso magistral de la luz y el color para resaltar la delicadeza de la figura femenina.
“La Virgen de las rocas” de da Vinci
Leonardo da Vinci crea una composición enigmática y armoniosa en la que la Virgen María, el niño Jesús, san Juan Bautista y Santa Isabel forman una composición misteriosa y extremadamente espiritual. La técnica del sfumato aporta suavidad a las figuras y al fondo, creando una atmósfera etérea.
“Whistlejacket” de Stubbs
George Stubbs pinta un retrato monumental de un caballo, Whistlejacket, en un fondo vacío que resalta su majestuosidad. La obra es un tributo al estudio anatómico y la destreza técnica de Stubbs, convirtiendo al caballo en el único protagonista.
“Venus y Marte” de Botticelli
Sandro Botticelli representa a Venus y Marte en una escena de calma tras la batalla. El contraste entre la mirada atenta y serena de Venus y el sueño de Marte refleja, posiblemente, el triunfo del amor sobre la guerra. Los colores suaves y el estilo delicado son característicos de Botticelli y, en general, del Renacimiento florentino.
“La Madonna de los claveles” de Rafael
Rafael muestra a la Virgen María sosteniendo al niño Jesús que juega con un clavel, símbolo de la pasión de Cristo. La composición equilibrada y el uso de colores vivos reflejan la maestría de Rafael en la creación de escenas serenas y armoniosas.
“El Santo entierro” de Miguel Ángel
Miguel Ángel representa el momento del entierro de Cristo en una obra inacabada. Las figuras muestran la monumentalidad y el dramatismo característicos del maestro del Renacimiento. A pesar de quedar incompleta, la obra transmite una poderosa emoción.
Información básica sobre la National Gallery de Londres
- La National Gallery de Londres está ubicada en Trafalgar Square, Londres WC2N 5DN, Reino Unido, un lugar icónico en el corazón de la ciudad.
- La galería abre al público todos los días de la semana, generalmente de 10:00 a 18:00 (y hasta las 21:00 los viernes).
- Los visitantes pueden disfrutar de visitas guiadas gratuitas, audioguías y una tienda de regalos.
- La National Gallery es accesible para personas con movilidad reducida.
- La visita es gratuita.
- Dispone de consigna para paraguas y otros enseres.
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